La experiencia acústica carece de conceptos, no elabora proposiciones; carece de imágenes, símbolos, el material de que está hecho el lenguaje. Le falta poder de representación. No guarda una relación lógica con el mundo. (Oliver Sacks)

RRS Procesos: Budhaditya Chattopadhyay, The Well Tempered City: Book II

Posted: noviembre 25th, 2014 | Author: | Filed under: arte sonoro | Tags: , , , , , , , | No Comments »

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The Well Tempered City: Book II es una pieza desarrollada por Budhaditya Chattopadhyay y comisionada por María Andueza como encargo para la Radio del Museo Reina Sofía. Forma parte de un ciclo de cápsulas titulado Modernidad y transducción.

The Well Tempered City: Book II aborda el concepto de transducción con relación a la ciudad india de Bangalore y al concepto de hipermodernidad. La obra, vinculada a una escucha mediada por el uso de dispositivos electrónicos, traduce en secuencias sonoras las vibraciones provocadas por la interacción con la arquitectura de los ciudadanos que transitan la ciudad. Así se compone una textura de sonoridades que se va haciendo en su progresión más densa y rica en variaciones.

La transformación en esta pieza de las vibraciones en sonidos audibles desvela a través de la escucha un espectro de transferencias de la actividad de los individuos al espacio urbano. Como una suerte de respiración artificial del contexto, la presencia de los ciudadanos se convierte en The Well Tempered City en el impulso que dota de vida a la arquitectura, que como organismo vivo responde con ligeros movimientos que convierten a la ciudad en carcasa vibrante y geológica.

Quien interroga a la ciudad, Budhaditya Chattopadhyay, no escucha tanto a los individuos como a las superficies donde las memorias de estos quedan fundidas, amalgamadas, como diluyendo las identidades en favor de una sonoridad colectiva del entorno urbano.

Budhaditya Chattopadhyay es un artista e investigador sonoro/multimedia que trabaja entre India y Europa. Su trabajo incluye grabaciones de campo, música acusmática y electroacústica, instalaciones sonoras/audiovisuales y composiciones para actuaciones en directo individuales y en grupo. El trabajo sonoro de Chattopadhyay ha sido publicado en diversos álbumes de sellos conocidos, como Gruenrekorder (Alemania) y Touch (Reino Unido). Le han sido concedidos diversos premios y residencias, el más notable de ellos una Mención de Honor en los PRIX Ars Electronica 2011, Linz. Ha participado en numerosas exposiciones, conciertos y festivales de sonido/nuevos medios. Las piezas

sonoras de Chattopadhyay han sido expuestas, tocadas o presentadas en la Transmediale, Berlín; Akusmata, Helsinki; CTM, Berlín; Errant Bodies, Berlín; CPH PIX, Copenhague; Hochschule Darmstadt, Dieburg; SoundFjord, Londres; Deutschlandradio, Berlín; Institut für Neue Medien, Frankfurt; Overgaden, Copenhague; y Nikolaj Kunsthal, Copenhague. Chattopadhyay ha publicado además innumerables artículos sobre arte sonoro, medios post-digitales, sonido cinematográfico, escucha y estudios sobre sonido en destacadas revistas revisadas por pares, como Organised Sound, SoundEffects, Journal of Sonic Studies y Leonardo Music Journal. Chattopadhyay se licenció en la escuela nacional de cine SRFTI de India, especializándose en grabación de sonido, y recibió un Máster de Arte en nuevos medios de la Universidad de Aarhus, Dinamarca, con una tesis sobre arte sonoro. Chattopadhyay vive actualmente en Copenhague, donde está trabajando en su doctorado en estudios sobre sonido cinematográfico en la Universidad de Copenhague.

Esta pieza forma parte de una serie sobre la transducción entendida aquí como el proceso mecánico, eléctrico o digital que convierte el sonido o vibración en una cosa para que esa cosa pueda volver a convertirse en sonido. Esa otra cosa puede ser el surco de un disco o un impulso electromagnético y nos permite captar, conservar y reproducir el sonido. Estos tres procesos han impulsado, en algunos casos, el surgimiento de algunas tendencias del arte sonoro y otras músicas. Pero a la vez, este proceso mecánico ha sido también modelo para describir nuestro aparato auditivo y con él toda nuestra cultura de la escucha.

Esta serie de cápsulas analiza, en cada caso, alguno de los medios, dispositivos o discursos por los que se da la transducción, haciendo hincapié en aquellos espacios por los que se mueven los sonidos siendo esa otra cosa por transducir. Estos espacios se han pensado y analizado como geografías propiamente dichas  relacionadas fuertemente con la nuestra, la que aceptamos como real. En el caso de la cápsula de Budhaditya Chattopadhyay esto de entiende como un vínculo que hace posible una comunicación hiperreal con el contexto físico, social y cultural.


RRS Procesos: Alejandra Perez, Un elemento en común alfa

Posted: noviembre 11th, 2014 | Author: | Filed under: [*] de suscriptores-> | Tags: , , , , , , , , , , , , , | No Comments »

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Un elemento en común alfa es una pieza desarrollada por Alejandra Pérez y comisionada por José Luis Espejo como encargo para la Radio del Museo Reina Sofía. Forma parte de un ciclo de cápsulas titulado Modernidad y transducción.

La pieza presenta un ficción en la que se relata un viaje  desde Arica al Tengri Noor y de ahí a la ionósfera a través de las líneas de flujo magnetoiónicas. Durante el viaje, junto a un relato, se escuchan ondas de muy baja frecuencia que llenan el espacio electromagnético y hechas audibles con técnicas de grabación específicas. Mediante este cruce de materiales, se analiza ese espacio electromagnético, inaudible al oído desnudo, pero que ocupa una capa de nuestra geografía en la que se desarrolla nuestra cultura, nuestra economía, la ciencia y el arte. Así esta cápsula analiza de manera crítica esos discursos artísticos y científicos y la capacidad de ambos para convertir en rentabilidad comercial toda la investigación tecnológica y creativa.

Las grabaciones han sido realizadas entre Arica y Antártica, pasando por la Isla Robinson Crusoe del Archipiélago Juan Fernández y el Mar de Drake. Se trata de grabaciones hechas con un receptor de Muy Bajas Frecuencias (VLF) y con un hidrófono. Hay grabaciones de la ionósfera así como de focas de Weddell bajo un lago congelado en Antártica. y a estos espacios corresponden las fotos que acompañan la cápsula realizadas por Alejandra. Al audio y las fotos, les acompaña un PDF con textos.

Este PDF contiene, Un elemento común, narración compuesta a partir de una  selección bibliográfica relacionada por las Frecuencias muy bajas y sus usos en el arte y la ciencia.

Alejandra Pérez nace en Punta Arenas, Chile, en 1972. También bajo su nombre elpueblodechina.org ha desarrollado su práctica como artista noise y profesora en la universidad. En este tiempo ha desarrollado un trabajo de investigación sobre el paisaje invisible, como en el caso de esta cápsula, que se combina con un interés por el estudio de la crítica cultural y el derecho al conocimiento libre y abierto. Durante los últimos dos años ha implementado el taller de escritura colaborativa en la escuela de Geología de la Facultad de Ciencias Físicas y matemáticas de la Universidad de Chile. Su trabajo en directo, instalación o radio, se ha mostrado a nivel internacional. Cabe destacar, por su similitud con la cápsula aquí presentada, Kashaskan noise andino, desde la Paz hasta Antártica producido por encargo de Kunst Radio en Vienna (2013). Actualmente desarrolla también escritura asistida con algoritmos en torno a Antártica, incidiendo en su interés por el límite geopolítico e imaginario que plantea el continente polar.

Esta pieza forma parte de una serie sobre la transducción entendida aquí como el proceso mecánico, eléctrico o digital que convierte el sonido o vibración en una cosa para que esa cosa pueda volver a convertirse en sonido. Esa otra cosa puede ser el surco de un disco o un impulso electromagnético y nos permite captar, conservar y reproducir el sonido. Estos tres procesos han impulsado, en algunos casos, el surgimiento de algunas tendencias del arte sonoro y otras músicas. Pero a la vez, este proceso mecánico ha sido también modelo para describir nuestro aparato auditivo y con él toda nuestra cultura de la escucha.

Esta serie de cápsulas analiza, en cada caso, alguno de los medios, dispositivos o discursos por los que se da la transducción, haciendo hincapié en aquellos espacios por los que se mueven los sonidos siendo esa otra cosa por transducir. Estos espacios se han pensado y analizado como geografías propiamente dicha  relacionadas fuertemente con la nuestra, la que aceptamos como real.

En el caso de esta cápsula de Alejandra Pérez se analiza el espacio electromagnético y las ondas de radio natural como espacio geográfico, un espacio por el que viajar, recorrido por intereses políticos, y desde el que construir otra percepción.


RRS Procesos: Representación de la institución museística. VVAA

Posted: abril 19th, 2013 | Author: | Filed under: arte sonoro, podcast, radio, [artesonoro.org] | Tags: , , , , | No Comments »

Durante 2012 la Radio del Museo Reina Sofía ha comisionado una serie de obras con la intención de analizar distintos modos de representación de la institución museística. El proyecto estudia los límites de este concepto de institución, tantas veces usado de manera peyorativa, a la vez que interroga a la práctica sonora sobre su capacidad para la representación. ¿Que capacidad tiene el arte sonoro actual de representar y cuestionar un concepto, una palabra o un dispositivo social de estas dimensiones?
Para este programa se ha entrado en contacto con cinco artistas cuyos trabajos hicieran referencia a alguna de las bases que definen a un museo de arte contemporáneo.

Así se ha explorado la arquitectura como diseño en el trabajo de Blake Carrington, antes que como espacio habitable, algo que viene de antiguo en occidente y que cada día se presenta de nuevo en forma de museo/envoltorio casi vacío. Una imagen, no un espacio, transformado en sonido mediante técnicas desarrolladas por el propio artista.

Por otra parte se he explorado el discurso del Atlas de Aby Warburg, presente no sólo en la institución museistica, sino en todos los medios y tecnologías actuales de conocimiento. La idea de que las imágenes pueden ser pensadas a partir de las relaciones tenía un paralelo fundamental con los trabajos de remezcla y con los 20020 de Pablo Sanz.

El museo, también pensado como un espacio digital, una web que contiene miles de imágenes protegidas por derechos de autor y por otras leyes restructitvas que favorecen a determinadas partes del mercado del arte, pero no al común de sus consumidores, ha sido tratada en el trabajo de Oscar Martín. Una transposición de todas estas obras, convertidas en código y reconvertidas en sonido.

El trabajo de Maia Ursatd se centra en los sonidos propios de la Radio del Reina Sofía, entendiendo el espacio de la radioweb como un espacio institucional en si mismo. Para ello re-mezcla fragmentos de distintas entrevistas y cápsulas anteriormente publicadas en la web. Un análisis de los sonidos con los que los que el museo decide presentarse.

Y por último el trabajo anónimo realizado durante el verano de 2012 que trata con el anonimato, con la desacralización fenomenológica del sonido y con la política de la voz. Una serie de voces de trabajadores del Reina Sofía a las que se les ha borrado identidad, género y posición social, se suceden una tras otra para describir un paisaje sonoro ideológico.

(Englist texts RRSMuseo Reina Sofía Radio web)

Blake Carrington. ESCUCHAR/LISTEN

Erosion/Evaporation (Scan Reina Sofía) es una obra, encargada por la Radio del Museo Reina Sofía, que utiliza los planos arquitectónicos del museo como si se tratase de partituras musicales abiertas. Se realizó con un programa de sonificación hecho a medida que escanea los planos en tiempo real de diferentes maneras, traduciéndolos a todo tipo de sonidos, desde drones sombríos a polirritmos enérgicos. La intención no es implantar este sonido como una revelación empírica de los secretos de la arquitectura, se trata simplemente de una correspondencia que establece una tensión poética. Existen infinidad de maneras de interpretar la arquitectura como sonido, y esta es solo una más.

Blake Carrington trabaja en el ámbito del sonido, la imagen y las artes escénicas. Sus piezas tienen una estética minimalista vinculada a los sistemas de signos gráficos de la arquitectura y la geografía. La correlación entre imagen y sonido es un tema habitual en su trabajo. Recientemente, ha sido artista en residencia en el Swing Space del LMCC, en Governors Island (Nueva York), y en el Haeinsa Temple de Corea del Sur, y ha recibido una beca NYSCA para apoyar la publicación de su CD del concierto en la Antigua Basílica Catedral de San Patricio de Nueva York.

00’’ 00 – 11’’ 35 Shapes In Clouds (Entry Plan)
11’’ 35 – 23’’ 40 Cloisters
23’’ 40 – 32’’ 55 Walk To Crystal Palace
32’’ 55 – 38’’ 55 Elevation
38’’ 55 – 42’’ 50 Final Breathing

Pablo Sanz ESCUCHAR/LISTEN

From 20 to 20000 hz se refiere al rango de frecuencia del oído humano. Todo lo que puede oírse en el mundo, puede también ser remezclado. Bajo ese título y con este encargo especial para la Radio del Museo Reina Sofía, ya son 31 las remezclas que Pablo Sanz ha compuesto desde 2003.

Pablo Sanz se ha dedicado a explorar en torno a diversos aspectos del arte sonoro y audiovisual desde la remezcla en From 20 to 20000 hz, al vjing, la grabación de campo o la instalación. Además, es miembro fundador del cluster artesonoro.org y mediateletipos.net. En estos campos entiende el sonido como materia fenomenológica, como medio para reconfigurar nuestra concepción del espacio y como una herramienta para recuperar e instaurar una nueva cultura aural.

Cada trabajo de From 20 to 20000 hz se ordena alrededor de un tema sobre el que se lanzan múltiples obras que apuntan a él, perdiendo en muchas ocasiones la referencia de la fuente y el autor. Sólo a partir de la tracklist, que se encuentra en el PDF adjunto, puede saberse muchas veces a quién pertenecen estas citas. Como en el trabajo de citación textual y visual, From 20 to 20000 hz subraya cualidades ocultas de las obras mezcladas y establece relaciones insólitas, pero a diferencia de aquellos, el sonoro no sólo formula nuevos significados acumulados en la memoria y la melancolía, sino que impone una profundidad opuesta a la síntesis.

Esta cápsula en particular está ordenada como un viaje, una cartografía basada casi por completo en registros fonográficos de puntos de escucha poco comunes o casi imperceptibles. Un viaje desde un contexto selvático tropical a otro oceánico cada vez más profundo que llega, por último, a un estadio del viaje geológico. No cómo llevar el mundo, sino cómo escucharlo.

Oscar Martín ESCUCHAR/LISTEN

Institución_RS >> /dev/dsp presenta un proceso de transcodificación de las imágenes digitales de la Colección del Museo Reina Sofía que aparecen en su página web. Así se realiza un trabajo de interpretación del cuerpo digital de la institución, dando a oír un sonido que contiene una representación de la cultura así como su proceso de institucionalización. Con ello se recupera la idea de José Val del Omar de convertir toda la Historia del Arte en luz y color mediante procesos mecánicos.

En este caso, mediante procesos digitales y bajo el estricto uso de software libre (Linux, Pure Data, Supercollider), se ha realizado esta transformación y sonidificación de archivos de imagen mediante la experimentación con diferentes técnicas basadas en el análisis y extracción de datos, tanto visuales como sonoros y el uso de estos datos para generar una nueva resíntesis sonora. El proceso queda explicado pormenorizadamente en el PDF adjunto.

Oscar Martín trabaja entre la Computer Music, la estética del Error y el Noise generativo, persiguiendo la construcción de universos sonoros autónomos. Compone espacios imaginarios que pretenden abrir vías de escucha activa y expandir una sensibilidad diferente hacia la percepción del fenómeno aural.

La pieza establece una re-reapropiación de la cultura, puesto que se vale de la cultura perteneciente al común y apropiada por la institución, para transformarla en información libre y sonido. Institución_RS >> /dev/dsp está en relación a otros de trabajos de Oscar Martín como noise&capitalism.txt >> /dev/dsp o trAnsCodE->, donde retoma referencias del Code Art Brutalism, un sistema de hackeo y programación que normalmente se sirve de imágenes, para interpretar las sonoridades digitales de un texto.

Maia Urstad ESCUCHAR/LISTEN

RCRS es una nueva composición de Maia Urstad creada especialmente para Radio Reina Sofía. El paisaje sonoro de esta obra se centra en la propia emisora de radio, con la intención de experimentar el museo desde la distancia por medio de grabaciones recogidas directamente de la web RRS. Los sonidos son recopilados, transformados, mezclados e integrados con otros sonidos radiofónicos cercanos y lejanos, y vueltos a retransmitir a través del espacio digital por cortesía de la Radio del Museo Reina Sofía.

Urstad explora las inmediaciones del museo a partir de fragmentos extraídos de una entrevista con Clare Butcher, una comisaria nacida en Zimbabue que visitó Madrid en junio de 2011. Butcher relata su experiencia en una protesta política acaecía en las calles de Madrid, cerca del Museo Reina Sofía. Asimismo, Urstad investiga el interior del edificio y sus contenidos a través de unas

grabaciones de voz de Isidoro Valcárcel Medina en las que se exploran y analizan las dinámicas de la colección del museo. A partir de estos fragmentos, surge una composición sonora abstracta con una interpretación personal del Museo Reina Sofía que desdibuja las fronteras entre el museo, la ciudad y el mundo a través del universo de la radio: informaciones confusas, voces fragmentadas, idiomas familiares y extraños, tormentas estáticas y pulsos de radiofrecuencia. Igual que las retransmisiones de radio viajan a través de grandes distancias de espacio y tiempo, el oyente viaja con esta obra a través de su imaginación, creando narrativas, caminos e interpretaciones a partir de una pieza sonora abstracta.


Anónimo. ESCUCHAR/LISTEN

Entre los días 6 y 7 de julio de 2012 se realizó la siguiente pregunta a trabajadorxs del Museo
Reina Sofía, que preliminarmente habían aceptado responder:

{{En tiempos de crisis económica profunda como la que se está viviendo en estos momentos,
¿qué crees que puede ofrecer el arte contemporáneo?}}

Los sonidos de las respuestas recogidas son presentadas aquí en un solo archivo de audio, sin
edición de contenido y en el orden cronológico en que fueron realizadas.

Previamente se aclaró a los participantes que las respuestas serían presentadas de manera anónima
mediante un procesamiento del tono de la voz con Auto-Tune, un efecto muy utilizado en la industria
musical.

Con este procesamiento se ha pretendido dificultar el reconocimiento del género de las voces y su
consecuente identificación.

Del mismo modo, pero sin alterar el contenido y ordenadas en un bloque continuo, se presentan las
transcripciones de las respuestas en el pdf descargable.

Con esto se ha querido acentuar aún más el anonimato de las voces, de modo que no representen su
cargo institucional o su propia persona. Teniendo en cuenta la especificidad y posibilidades del
medio en el que se presentan, estas opiniones dejan de ser individuales y se convierten en material
de análisis. De esta manera, el oyente pueda percibir la complejidad y variedad ideológica que hay
dentro de esta institución, así como algunos de los problemas y limitaciones que el arte
contemporáneo tiene para responder a esta crisis.


RRS Redes 2012. Espacios para las prácticas sonoras

Posted: enero 9th, 2013 | Author: | Filed under: [*] de suscriptores-> | Tags: , , , , , , , , , , , , | No Comments »

Bajo este subtitulo se propone una serie de cápsulas de larga duración centradas en la producción, los usos y las gestiones del sonido. La vaguedad del título se refiere efectivamente, a un conjunto de prácticas organizativas que no puede definirse de una vez, bajo un término, ni un territorio. Esta serie propone algunos centros y nodos para la construcción de discursos que escapan de las academias tradicionales y que centran el aprendizaje y la difusión en la participación y la construcción común de la auralidad o idea del sonido.

Audiolab Arteleku. Xabier Erkizia ESCUCHAR/LISTEN

La primera cápsula es un monográfico con Xabier Erkizia, director desde hace más de 8 años del Audiolab de Arteleku, en San Sebastián/Donosti. En esta entrevista se explica la importancia del proceso como forma de trabajo, una norma que ha vertebrado los distintos proyectos comentados a lo largo de estos sesenta minutos. Ejemplos como (Un)Common Sounds centrado en la exploración y contextualización de distintas escenas internacionales, Ruido y capitalismo materializado en un libro que funciona como piedra de toque de un gran proceso de trueque de arte, y el festival Ertz en Bera (Navarra) donde la programación responde a las necesidades de una comunidad no sólo artística ni musical.

La voz viene a acompañar a una serie de obras que presentan en sí mismas estas formas de gestión. Piezas del mismo Erkizia, Kim Cascone o Jean-Luc Guionnet que forman parte del enorme archivo que el festival y el laboratorio han ido construyendo a lo largo de estos años. Esta cápsula es a la vez una documentación de los sonidos producidos en Audiolab, un comentario en el tiempo de este archivo sonoro, donde la voz como es además un texto que pone en su lugar estas muestras.

Bidasoa Presak del disco Elektra Bidasoa. Una colaboración de Xabier Erkizia con Francisco López editado por Ferns Recordings en 2011 / / Igneo 2. Un podcast de Kim Cascone para Hots! Radio. Una grabación de campo reconstruida de un test subacuático realizado en el primer submarino a vapor del mundo el Igneo 2, en Barcelona en 1867. Publicado en relación al evento Hidrofonía / / Concierto de Bizarra y Jean-Luc Guionet en el festival Ertz de 2008 / / Noise & Capitalism de Oscar Martín, publicado en Free Software series en 2010. Una transposición del pdf del libro a sonido manipulado después con procesos analógicos / / Kilkerrak Makroan paisaje sonoro de Donosti subido a Soinumapa.net el 10 de agosto de 2010 por Xabier Erkizia / / Uxane y Ertz, resultado del taller desarrollado por Alex Mendizabal y Juan José Aranguren desde 2007 / / La Astronave, opereta de la orquesta One Lesson Symphony contra la Uxane Alien Orquestra en el Festival Ertz en 2011 / / Gezurrezko joera Jean-Luc Guionnet editado por Ertz en 2008.

 

Comentarios sobre improvisación libre. Wade Mathews, Alfredo Costa Monteiro y uno de los participantes en Improkup ESCUCHAR/LISTEN

Esta segunda cápsula combina tres entrevistas con distintas personas que trabajan en la improvisación libre a partir de los espacios en los que han desarrollado esta actividad. La primera de ellas es Wade Matthews, integrante de Cruce en Madrid, donde ha estado programando distintas actividades a partir de 1995. En segundo lugar Alfredo Costa Monteiro ex-integrante de IBA col·lectiu d’improvisació, colectivo activo en Barcelona desde 1998. Por último, uno de los participantes de Improkup, un experimento sobre improvisación que tuvo lugar en julio de 2011 en

Gipuzkoa. Estas entrevistas pueden escucharse junto con dos piezas recientes de Alfredo Costa Monteiro y Wade Mathews además de grabaciones realizadas durante el fin de semana en que transcurrió Improkup.

Por una parte se puede atender a las opiniones de los entrevistados sobre la improvisación, la escucha, el sonido y el ruido. Por otra podemos escuchar la historia y peculiaridades de los distintos espacios en los que se desarrollan las intervenciones, desde el galerístico de Cruce, el espacio doméstico de los apartamentos en que desarrollaron algunos conciertos IBA Col.lectiu d’improvisació y por último al espacio común en que se desarrolló Improkup.

Comienzo sin título (untitled beginning) del disco Early Summer de Wade Matthews editado por con-v en 2010 / / Grabaciones durante Improkup / / CLAIR de B’EE Una pieza para papel de Alfredo Costa Monteiro editada por Compost & Height en 2008

Escoitar.org ESCUCHAR/LISTEN

Esta tercera cápsula contiene una entrevista al colectivo gallego escoitar.org, referente en muchos sentidos de la construcción de una auralidad consensuada y en una toma de conciencia sobre el sonido como medio de conocimiento que permita aprehender cuestiones sociales, geográficas, patrimoniales o políticas. Escoitar.org es precisamente el colectivo que introdujo en el territorio español el termino de aural y auralidad, término que se refiere a una cultura común basada en la escucha.

El sitio web escoitar.org es además uno de los pioneros en promover una herramienta web que permita a los usuarios subir sonidos grabados y geolocalizarlos. Este espacio se ha visto reforzado por talleres, aplicaciones para dispositivos móviles, acciones, textos, conferencias e intervenciones en los medios de comunicación que han permitido una mayor concienciación sobre la importancia del paisaje sonoro.

Las voces de los integrantes del colectivo, grabadas en una reunión en enero de 2012, se mezclan con distintos sonidos recogidos por escoitar.org en Galicia y remezclados para esta cápsula por Carlos Suarez, integrante del colectivo.

Suenan paisajes de escoitar remezclados por Carlos Suarez

SONM. Francisco López ESCUCHAR/LISTEN

Esta cuarta cápsula contiene una entrevista a Francisco López, director de la Fonotea de Música Experimental y Arte Sonoro SONM, que se encuentra en el Centro Puertas de Castilla de Murcia. En ella puede oírse por una parte la presentación del espacio, físico y digital, de la fonoteca, además de las opiniones de López sobre los usos del archivo así como sus modos de dinamización. Una de las peculiaridades de esta fonoteca, es que surge del archivo personal de su director, que se construye, en parte, mediante intercambios en la década de los ochenta y posterior.
La Fonoteca SONM combina, junto a su labor de conservación, catalogación y consulta web mediante la página sonm.es, una serie de actividades como conciertos, charlas y residencias de investigación que giran alrededor de los fondos del archivo.
Por otra parte pueden oírse temas extractados de un CD publicado por la Fonoteca titulado MMS, Murcia Materia Sonora. Este CD contiene nueve trabajos realizados por artistas de la Región de Murcia a partir de grabaciones realizadas en la zona desde 2010.

Drone (AB) / / Enviroment Manuel Palma / / Vital Tranzfer Iona Pergo / / Fuerzas productivas Sergio Sánchez / / Vortex Susana López

Orquesta del Caos / Sonoscop. José Manuel Berenguer ESCUCHAR/LISTEN

Esta cuarta cápsula una entrevista con José Manuel Berenguer, mitad de la Orquesta del Caos junto a Carlos Gomez, responsables ambos de Sonoscop, archivo de arte sonoro relacionado con el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona.
En esta cápsula se presenta la historia y actividad de estas dos organizaciones parejas en relación al proyecto desarrollado en 2011, Sonidos en Causa, y al desarrollado a lo largo de 2012 Barcelona So Límit, que se presentará en el festival Zèpelin 2012. Zèpelin por su parte es el espacio de muestras de la Orquesta del Caos.

Por otra parte se habla de cuestiones de patrimonio relacionadas con el sonido, así como de las relaciones de paisaje sonoro y música electroacústica o la razón del límite y su relación con la construcción de la realidad que percibimos.

Comienzo sin título (untitled beginning) del disco Early Summer de Wade Matthews editado por con-v en 2010 / / Grabaciones durante Improkup / / CLAIR de B’EE Una pieza para papel de Alfredo Costa Monteiro editada por Compost & Height en 2008


RRS Contextos: Dictadura y Contemporaneidad

Posted: diciembre 26th, 2012 | Author: | Filed under: [*] de suscriptores-> | No Comments »

(1/2) Música entre los años 60 y principios de los 70 ESCUCHAR/LISTEN

La música española, en el periodo que va de 1962 a 1972, no podía evadirse a la situación general del país: una dictadura que ya duraba más de veinte años y no tenía aspecto de desaparecer en forma repentina. Por ello, cualquier forma de vanguardia artística, había de nacer en esa situación, en la que se vivía y con la que había de negociar tanto la creación como la vida.
El primer atisbo de una música distinta, en un ambiente marcado por la canción española, un pop absolutamente derivativo de lo anglosajón y un clasicismo sinfónico de orden nacionalista, fue la llamada Generación del 51 formada, entre otros por Cristóbal Halffter, Luis de Pablo, Ramón Barce o Carmelo Bernaola, junto a los catalanes Joan Guinjoan, Mestres Quadreny o Xavier Benguerel. Pero además surgieron activistas más radicales como el grupo ZAJ, emparentado con Fluxus. Y también música electrónica como la muy pionera de Ramón Sender desde San Francisco. A finales de este periodo comenzarían a surgir también otras forma de música pop como el rock progresivo que, iniciado por los andaluces Smash y los catalanes Máquina! habría de influir decisivamente en buena parte de la década que va de 1972 a 1982 y que será objeto de una segunda cápsula sonora.

Ramon Sender Worldfood XII / / Cristóbal Halffter Misa Ducal / / Halffter Secuencias / / Enrique Franco Montañas nevadas / / Tomás Marco Mysteria / / Bernaola La Clave / / Luis de Pablo Soledad Interrumpida / / Benguerel Arbor / / Carles Santos Perturbación Inesperada / / Juan Hidalgo Étude de Stage / / Walter Marchetti Adversus (Homemade Electric Music) / / Ramon Sender Worldfood VII (To see him with my eyes).

(2/2) Música entre los años 70 y principios de los 80 ESCUCHAR/LISTEN

La primera parte de este repaso por la música avanzada española entre 1962 y 1982 finalizaba con un disco capital, el Why! del grupo catalán Máquina! Junto a Smash, Máquina! había abierto las puertas de una concepción diferente de un pop que hasta entonces se identificaba con una amalgama que lo mismo agrupaba a los Brincos como al Dúo Dinámico, a Los Salvajes como a Los Mismos: música de puro y alegre entretenimiento, plenamente aceptable en su misma ausencia de pretensiones y a veces tocada por la gracia de la ironía. A partir de primeros de los setenta y mientras la música vanguardista de orden académico seguía el curso que Milan Kundera definió como “una cómoda autopista”, este nuevo pop empezó a cuestionar tanto la tradición musical heredada como el régimen en que se producía. Así nacieron tres direcciones muy diferentes en una música ya decididamente dirigida a los jóvenes. Por un lado el rock progresivo de Smash o Máquina!, por otro la llamada canción popular o cançó en Cataluña, y por otro los comienzos de una experimentación sonora muy influida por la electrónica, no solo de un Stockhausen, sino de grupos alemanes como Tangerine Dream, Kraftwerk o Can. De esto trata esta segunda cápsula que va, muy laxamente, del año 1972 al 1982.

Orquestra Mirasol To de re per mandolina i clarinet // Companyia Electrica Dharma L’ou comb balla // Triana Abre la puerta // Veneno San José de Arimatea // Raimon Al Vent // Joan Manuel Serrat Canço de matinada // Sisa Qualsevol nit pot sortir el sol // Paco Ibañez Don Dinero // Javier Maderuelo Eco // Orquesta de las nubes Parte // Eduardo Polonio-Horacio Vaggione It // Kaka de Luxe La pluma eléctrica


RRS Procesos. Situación Sonora. La Deriva Aural. VVAA

Posted: diciembre 12th, 2012 | Author: | Filed under: arte sonoro | Tags: , , , , , , , , , , , , , | No Comments »

Edu Comelles y Sara Galán / Carlos Suarez. ESCUCHAR/LISTEN

En esta cápsula se reúnen los trabajos de Edu Comelles junto a Sara Galán, por una parte, y de Carlos Suárez por otra. Cada pieza, de aproximadamente quince minutos, es el resultado de la composición a partir de grabaciones realizadas en el Museo Reina Sofía con ocasión de Situación Sonora. La Deriva Aural.

La primera pieza, de Edu Comelles y Sara Galán, titulada I’m playing in this room, es una deriva grabada en el Edificio Sabatini que toma como inspiración la obra de Alvin Lucier I’m Sitting in A Room. En ella Lucier repite de forma incesante un texto referente a la escucha y a la propia acción, grabando y reproduciendo la lectura a cada repetición. En el Edificio Sabatini Sara Galán interpretó un mismo conjunto de gestos musicales en distintas salas del museo. La grabación de cada una de las interpretaciones, realizada por Edu Comelles, varió en función de la posición de los micrófonos, siempre en movimiento, y la propia acústica de cada una de las salas, creando así distintos escenarios en donde la espacialización, el eco o la reverberación del chelo juega un papel protagonista.

Sara Galán y Edu Comelles trabajan en conjunto bajo el nombre de Cello + Laptop, una propuesta que traza líneas compositivas entre el violoncelo y las grabaciones de campo. Cello + Laptop se ha podido escuchar en escenarios de Madrid, Córdoba, Barcelona o Valencia. Han sido publicadas hasta la fecha dos grabaciones de directos en los sellos Audiotalaia y Colección de Emociones.

La segunda pieza titulada Paseo con revelaciones aurales (min. 14:45) es de Carlos Suárez. Las grabaciones se realizaron en una deriva por el Parque del Retiro de Madrid, desde el Palacio de Cristal al Palacio de Velázquez, y en el paseo que lleva hasta el edificio principal del museo. La pieza se compone de resonancias, música callejera y otros sonidos, y mezcla los diversos ambientes acústicos que se revelaron en este paseo. El orden de los sonidos no corresponde al orden del desplazamiento, sino a la necesidad de dar coherencia expresiva y discurso a la composición.

Carlos Suárez es compositor, etnomusicólogo y percusionista. Ha investigado sobre músicas tradicionales y realizado grabaciones en distintas partes del mundo. Su trabajo teórico se centra en la psicoacústica, la relación entre fonografía y composición, la etnomusicología y los paisajes sonoros.

Jaime Munarriz / Juanjo Palacios. ESCUCHAR/LISTEN

En esta cápsula se reúnen los trabajos de Jaime Munárriz por una parte y de Juanjo Palacios por otra. Cada pieza, de aproximadamente quince minutos, es el resultado de la composición a partir de grabaciones realizadas en el Museo Reina Sofía con ocasión de Situación Sonora: La Deriva Aural.

Para su pieza Jaime Munárriz traslada estrategias de apropiación y recontextualización al espacio sonoro. Partiendo de la idea de que la ciudad no ofrece la riqueza de sonidos que permite el espacio natural y que está solo habitada por tráfico y voces, mientras que el espacio museístico se convierte en un refugio para ese ruido entrecruzado. La posterior composición de la obra recalca cualidades sonoras no referenciales que construyen distintos planos abstractos.

Jaime Munárriz es profesor de Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid, autor de Imagen Digital y co-autor de La imagen Fotográfica, ha participado, además, en distintos proyectos de música experimental como Monaguillosh, Destroy Mercedes o Druhb.

Juanjo Palacios (minuto 15:18) realiza un paseo sonoro, donde solo estaba programado el lugar de inicio en el Edificio Nouvel, para moverse luego sin ningún tipo de orden establecido por los espacios del Museo. En este proceso recoge especialmente sonidos de pasos, murmullos y tráfico, que contrastan con los espacios ajardinados del interior del Edificio Sabatini.

Juanjo Palacios es colaborador habitual de LABoral Centro de Arte. Coordina distintos proyectos relacionados con el paisaje sonoro y las grabaciones de campo como Mapa Sonoru, o La escucha Atenta que es a la vez un netlabel especializado en paisaje sonoro y un cuestionario a distintos fonografistas.

Eric La Casa / Jorge Haro. ESCUCHAR/LISTEN

En esta cápsula se reúnen por una parte el resultado del taller Sonido y Psicogeografía realizado por Eric La Casa como parte del mismo programa con una duración aproxiamada de veinte minutos. Por otra parte el trabajo de Jorge Haro como resultado de la composición a partir de grabaciones realizadas en el Museo Reina Sofía con ocasión de Situación Sonora: La Deriva Aural, con una duración aproximada de quince minutos.

La primera parte da a oir los resultados finales del taller Situación sonora. Psicogeografía y sonido, impartido por Eric La Casa, los días 22, 23 y 24 de marzo de 2012 en el Museo Reina Sofía. Las grabaciones, realizadas por los asistentes al taller y montadas luego por Eric la Casa, trabajan sobre la idea de realizar una anti-guía o no-guía para los espacios del museo, por lo que se recomienda para este uso. Estas grabaciones fueron realizadas por Kamen Nedev, Claire Briegel, Pedro Montesinos, Eric La Casa, Anne-Françoise Raskin, Miguel Guzmán, Diana Delgado-Ureña, Cecilia Rosso, Claudia Cervantes y Ciro del Barco.

Eric La Casa, músico y fonografista, además de multitud de discos en distintos sellos, ha realizado instalaciones y colaborado en publicaciones como The map and the Territory o Musique d’space. Además ha compuesto bandas sonoras junto con artistas como Seijiro Murayama, Ken Jacobs o Luke Fowler.

El trabajo realizado por Jorge Haro Blur spaces [MNCARS sound drift] (minuto 21:49) ha sido compuesto en base a grabaciones de ambientes, espacios reverberantes y materiales vibrantes de las zonas de mantenimiento no visitables del Museo Reina Sofía. La composición respeta el orden en que se hicieron las grabaciones, aplicando ajustes para la reverberación, pero respetando la espacialidad de los distintos registros.

Jorge Haro trabaja sobre distintos aspectos estéticos y científicos del sonido y la vibración, es director de Conciertos en el LIMb0 y tiene una larga trayectoria de publicaciones y actuaciones en directo.


RRS Contextos. José Val del Omar

Posted: noviembre 26th, 2012 | Author: | Filed under: [*] de suscriptores-> | Tags: , | No Comments »

Val del Omar: Sonidista ESCUCHAR/LISTEN

Cuando José Val del Omar (Granada, 1904 – Madrid 1982) se considera a sí mismo cinemista no está cayendo en la trampa de privilegiar el cine frente a la mística. Cuando José Val del Omar dice ser un analfabeto con cultura de sangre no está rindiéndose a la luz como única forma de conocimiento. Se sabe que tan importante es para él la mística como la luz o el sonido. Lo que se escucha es algo indisoluble de la imagen. Sus películas tienen un tratamiento sonoro profundo ¿pero por qué se ha presentado siempre a Val del Omar como un “cineasta” y no como un “sonidista”? Su imaginario visual es tan potente que la educación oculocentrista no permite escuchar la profundidad de su discurso sonoro. Con esta cápsula en el canal Contextos se propone tapar la lente del proyector y dejar que suenen fragmentos de Aguaespejo Granadino y Fuego en Castilla.

La importancia del sonido en Val del Omar radica en su obsesión por el registro, metros y metros de cintas en la que graba horas de ambientes, sonido del agua, ruidos, en definitiva, música concreta. Además Val del Omar diseña un sistema de sonido, el diafónico, que revierte la lógica “objetiva” del sonido estéreo. La diafonía es un intento de activar un canal de reacción subjetivo que llama poderosamente a las puertas de la intuición.En conclusión, si no se recupera el sonido como una parte fundamental de su obra se puede intuir cómo trabajaba Val del Omar, pero nunca llegar a sentirlo en toda su complejidad.

Los Sonidos de José Val del Omar: Auto Sacramental Invisible ESCUCHAR/LISTEN

A José Val del Omar (Granada, 1904 – Madrid 1982) se le ha identificado, normalmente, en el ámbito de la cinematografía pero si hubiera que encajar a un sujeto inquieto y curioso como el de Granada habría que hacerlo en una franja de amplio espectro. El eslabón perdido, desconocido y olvidado, de las primeras y las segundas vanguardias es sobre todo el garante del proceso como herramienta última de una obra que encara el encargo revolucionario del arte total. El Auto Sacramental: El Mensaje de Granada es una idea-proyecto-obra apenas bocetada en algunos audios y que supera la visión para generar, a través de 12 canales un relato lleno de recovecos inasibles y de fonemas lanzados contra el suelo para que reboten sin rumbo. Si “el sonido es similar a las cenizas, lo ves, tiene forma, pero cuando intentas agarrarlo se deshace, se esfuma, vuela” el Auto Sacramental: El Mensaje de Granada de Val del Omar es un puñado muy grande de cenizas que en esta cápsula hemos intentando, no sin mucho éxito, reordenar y, sobre todo, divulgar.